Dal 15 settembre 2026 al 14 febbraio 2027, Palazzo Bonaparte ospita oltre settanta capolavori di Vassily Kandinsky. Una grande mostra, realizzata in collaborazione con il Centre Pompidou di Parigi, ripercorre la vita e la ricerca dell’artista che trasformò il colore in emozione e aprì la strada all’astrattismo.
Roma torna ad accogliere Vassily Kandinsky, a più di venticinque anni dall’ultima grande occasione espositiva dedicata al maestro russo. Dal 15 settembre 2026 al 14 febbraio 2027, le sale di Palazzo Bonaparte diventano il teatro di una delle mostre più attese della stagione culturale romana: un percorso di oltre settanta opere che racconta la straordinaria parabola umana e artistica di uno degli interpreti più rivoluzionari del Novecento.
La mostra è prodotta e organizzata da Arthemisia, in collaborazione con il Centre Pompidou di Parigi, ed è curata da Angela Lampe, conservatrice delle collezioni moderne del Musée national d’art moderne. Un appuntamento particolarmente significativo anche perché il Centre Pompidou è attualmente impegnato in un lungo programma di ristrutturazione, con riapertura prevista nel 2030: Roma diventa così una delle principali tappe internazionali attraverso cui il patrimonio dell’istituzione francese continua a incontrare il pubblico.
Dalla giurisprudenza alla pittura: la scelta di cambiare vita
La storia di Kandinsky sembra inizialmente lontanissima da quella di un artista destinato a cambiare per sempre il linguaggio della pittura.
Nato a Mosca nel 1866, studia diritto ed economia politica all’Università di Mosca e intraprende una promettente carriera accademica. Intorno ai trent’anni, però, compie una scelta radicale: abbandona la carriera già avviata e decide di dedicarsi alla pittura.
Nel 1896 si trasferisce a Monaco di Baviera, una delle capitali artistiche dell’Europa di inizio Novecento. Qui entra in contatto con le nuove correnti artistiche e incontra Gabriele Münter, giovane pittrice destinata a diventare non soltanto la sua compagna per oltre un decennio, ma anche una figura importante della stagione espressionista tedesca.
È proprio il rapporto tra Kandinsky e Münter uno degli elementi che rendono particolarmente interessante la mostra romana. Per la prima volta in questo contesto saranno infatti presentate anche alcune opere di Münter, contribuendo a restituire autonomia e centralità a un’artista rimasta per lungo tempo in secondo piano rispetto al più celebre compagno.
Quando il colore smette di rappresentare la realtà
Due esperienze segnano in maniera decisiva la formazione artistica di Kandinsky.
La prima è l’incontro con i Covoni di Claude Monet. Di fronte alla pittura impressionista, l’artista comprende che un’opera può generare emozione senza necessariamente riprodurre la realtà in maniera fedele.
La seconda è musicale. A Mosca, ascoltando il Lohengrin di Richard Wagner, Kandinsky sperimenta una sorta di rivelazione: la musica, pur non rappresentando oggetti concreti, riesce a evocare emozioni, immagini e sensazioni interiori. La pittura può fare lo stesso.
Da questa convinzione nasce progressivamente l’idea di un’arte capace di liberarsi dall’obbligo della rappresentazione. Il colore può avere una propria voce, la linea può diventare ritmo, la forma può trasformarsi in emozione.
È una concezione destinata a cambiare la storia dell’arte.
Murnau e il Blaue Reiter: verso l’astrazione
Un momento fondamentale del percorso è rappresentato dagli anni trascorsi tra Monaco e Murnau. Nell’estate del 1908 Kandinsky e Gabriele Münter si stabiliscono nella cittadina bavarese, affascinati dai paesaggi, dalla luce e dall’arte popolare locale.
La pittura cambia rapidamente. Le forme diventano più semplici, le pennellate più energiche e il colore conquista un ruolo sempre più autonomo.
Nel 1911 Kandinsky pubblica Dello spirituale nell’arte e nella pittura in particolare, testo fondamentale per comprendere la sua concezione dell’arte. Nello stesso periodo nasce, insieme a Franz Marc e con la collaborazione di Gabriele Münter, il gruppo Der Blaue Reiter, il Cavaliere Azzurro.
L’obiettivo è ambizioso: superare le tradizionali gerarchie artistiche e mettere al centro la dimensione spirituale ed emotiva dell’esperienza.
Il passaggio all’astrazione non avviene dunque come una semplice rinuncia alla realtà. È, piuttosto, la ricerca di una realtà diversa: quella interiore.
Tra le opere più importanti del periodo figura L’Arco nero del 1912, uno dei lavori più celebri conservati dal Centre Pompidou e tra le testimonianze più significative della progressiva emancipazione di forme e colori dalla rappresentazione del mondo visibile.
Gabriele Münter, una storia da riscoprire
La presenza di Gabriele Münter rappresenta una delle novità più interessanti dell’esposizione.
Per molti anni il nome della pittrice è stato associato soprattutto alla relazione con Kandinsky. La sua ricerca, invece, possiede una precisa autonomia e una forte identità.
Münter sviluppa un linguaggio caratterizzato da forme semplificate, contorni netti e grandi campiture cromatiche, mantenendo però un legame con la figurazione. A Murnau e nell’ambiente del Blaue Reiter il suo stile raggiunge una piena maturità.
La sua vicenda personale attraversa guerra, esilio e isolamento. Durante il regime nazista, Münter contribuisce inoltre a preservare numerose opere legate al Blaue Reiter.
La mostra romana offre quindi anche l’occasione per guardare alla storia di Kandinsky attraverso una prospettiva più ampia, nella quale le figure femminili che ne accompagnarono la vita e la carriera – Münter e, in una fase successiva, la moglie Nina – assumono un ruolo centrale.
La Russia rivoluzionaria
Lo scoppio della Prima guerra mondiale costringe Kandinsky a lasciare la Germania e a tornare in Russia.
Gli anni successivi sono segnati dagli sconvolgimenti politici e sociali della Rivoluzione. Kandinsky partecipa alla riorganizzazione delle istituzioni culturali e si confronta con le avanguardie russe, dal suprematismo al costruttivismo.
La sua pittura si fa progressivamente più geometrica. Le forme diventano più definite e la tavolozza si concentra maggiormente sui colori primari.
Ma Kandinsky rimane fedele alla propria idea di un’arte fondata sulla necessità interiore e sulla dimensione spirituale. Il nuovo clima culturale, sempre più distante dalle sue convinzioni, lo porta infine a lasciare nuovamente la Russia.
Nel 1921 torna in Germania.
Il Bauhaus e la pittura come costruzione
Il capitolo successivo è quello del Bauhaus, la scuola fondata da Walter Gropius nel 1919 e destinata a diventare uno dei più importanti laboratori della modernità europea.
Nel 1922 Kandinsky viene chiamato a insegnare a Weimar. È una fase di straordinaria produttività, nella quale artista, docente e teorico si fondono.
Kandinsky approfondisce il rapporto tra punto, linea, superficie, colore e struttura. Nel 1926 pubblica Punto e linea sul piano, secondo grande testo teorico della sua produzione.
Quando il Bauhaus si trasferisce a Dessau, Kandinsky prosegue la sua ricerca fino alla chiusura della scuola nel 1933, provocata dall’ascesa del nazismo.
L’artista è costretto ancora una volta all’esilio.
Parigi: l’ultima stagione
Nel dicembre del 1933 Kandinsky e la moglie Nina Kandinsky si trasferiscono nei pressi di Parigi.
La capitale francese modifica ancora una volta il suo linguaggio. Le composizioni diventano più leggere, la tavolozza si schiarisce e compaiono tonalità pastello e forme biomorfe.
Il rigore geometrico sviluppato negli anni del Bauhaus si combina con una nuova libertà inventiva, anche grazie al confronto con artisti come Jean Arp e Joan Miró.
Con la Seconda guerra mondiale il clima cambia nuovamente. I materiali diventano più poveri: tele, legno e cartone sostituiscono progressivamente i supporti abituali. La tavolozza si scurisce e le composizioni diventano più intime e minuziose.
Kandinsky muore nel 1944, lasciando un’eredità destinata a influenzare profondamente l’arte moderna e contemporanea.
Oltre settanta opere per raccontare una rivoluzione
Il percorso di Palazzo Bonaparte è organizzato in cinque sezioni, corrispondenti alle principali tappe della vita e della ricerca dell’artista:
- Gli esordi: gli anni della formazione
- Murnau: verso l’astrazione
- La Russia: gli anni di transizione
- Bauhaus: gli anni teorici
- Parigi: gli anni della maturità
Accanto ai dipinti saranno presentati documenti, fotografie, oggetti personali e materiali provenienti dalla Bibliothèque Kandinsky, permettendo al pubblico di avvicinarsi anche alla dimensione privata e quotidiana dell’artista.
Tra le opere più significative spicca Gelb-Rot-Blau (1925), una delle composizioni emblematiche della stagione del Bauhaus, nella quale geometrie e colori sembrano organizzarsi secondo un ordine quasi musicale.
E proprio la musica costituisce una delle chiavi di lettura della mostra: per Kandinsky il rapporto tra suono e colore non era una semplice metafora. Era il fondamento di una nuova idea di pittura, capace di parlare direttamente all’interiorità.
Una sala immersiva per entrare nel mondo di Kandinsky
A completare il percorso è prevista anche una sala immersiva, pensata per permettere al pubblico di immergersi nelle geometrie, nei colori e nei ritmi visivi dell’artista.
Un elemento che dialoga con la ricerca di Kandinsky senza sostituirsi alle opere originali: il punto di partenza resta infatti la straordinaria qualità dei dipinti e dei materiali provenienti dalle collezioni del Centre Pompidou.
La mostra propone così due esperienze complementari: da una parte il confronto diretto con opere storiche difficilmente visibili fuori da Parigi; dall’altra una modalità più contemporanea di avvicinarsi al linguaggio dell’artista.
Un appuntamento da non perdere a Roma
La mostra di Palazzo Bonaparte non è soltanto una retrospettiva dedicata a uno dei grandi protagonisti dell’arte del Novecento.
È il racconto di una trasformazione: quella di un uomo che abbandonò una carriera già avviata per inseguire una convinzione radicale, arrivando a sostenere che la pittura potesse liberarsi dal compito di imitare il mondo.
Kandinsky ha insegnato a guardare il colore in un modo diverso. A considerarlo non più soltanto come elemento decorativo o descrittivo, ma come una forza capace di evocare emozioni, ricordi e stati interiori.
Dal 15 settembre 2026 al 14 febbraio 2027, Roma torna quindi a incontrare Kandinsky. E lo fa attraverso un patrimonio eccezionale, in un momento particolarmente significativo per il Centre Pompidou e per la circolazione internazionale delle sue collezioni.
Un’occasione per vedere da vicino la rivoluzione di un artista che, più di un secolo fa, decise che un quadro non doveva necessariamente rappresentare qualcosa per poter dire qualcosa.
